EE : Vous parlez d’une peinture rituelle, et pourtant ce n’est jamais le même résultat… 

 

PB : Non bien sûr, ce n’est jamais le même résultat, bien qu’ils se ressemblent tous, c’est indéniable. J’accepte l’accident, l’inconnu, le non contrôlé. Souvent, lorsque je connais le résultat à l’avance, cela ne m’intéresse plus. Je me suis aperçue que lorsque je le recherchais, cet accident, cela donnait des choses qui n’avaient pas d’intérêt. Quand il arrive fortuitement, au bout de nombreuses heures de travail, c’est beaucoup plus intéressant.

En réalité, je travaille en continu et puis il y a des tableaux qu’on pourrait qualifier de charnières, un ou deux tableaux que je trouve bons. Et même si ces tableaux adviennent après beaucoup de travail et après avoir fait beaucoup de tableaux non satisfaisants, je sais que ceux que je trouve bons sont là parce qu’il y a eu tous les autres avant.

 

EE : Depuis combien de temps êtes-vous dans cet atelier ? Pensez-vous que le lieu où vous travaillez a une influence sur votre inspiration et sur votre travail ? 

 

PB : J’y travaille depuis 2013 et oui, le lieu a une influence. Si l'on veut faire quelque chose on peut le faire dans n’importe quel lieu, mais on peut rechercher à fréquenter un lieu parce qu’on pense qu’il va nous inspirer. En ce moment j’ai très envie de partir en résidence, de voir un autre atelier. Quand je suis arrivée ici je faisais de tous petits formats, des petits papiers, je travaillais sur la table et ne faisais que de la peinture, pas de sculpture et puis c’est devenu plus grand, et maintenant j’ai besoin de plus de place. 

 

EE : Il y a le feu qui entre en jeu maintenant avec la cuisson de vos sculptures.  

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PB : Oui c’est vrai. Au départ, je ne voulais pas du tout aller vers la sculpture. Mais un jour, en mangeant une orange, je me suis demandé ce qu’il y avait à l’intérieur de cette peau, de la même façon qu’on pourrait se poser la question en regardant le ventre d’une femme enceinte : on se demande ce qu’il y a de l’autre côté. Tous les jours, l’idée me taraudait et j’ai décidé d’en avoir le cœur net. J’ai pris ma peau d’orange que j’ai reconstitué en la collant, j’ai versé du plâtre dedans, j’ai enlevé l’écorce et j’ai obtenu une pièce, à l’époque c’était vraiment tout petit, une boule de plâtre, pleine. Le résultat m’a beaucoup étonnée et intriguée, je ne m’attendais vraiment pas à ça. J’ai eu envie d’en faire d’autres. J’ai d’abord pensé à mouler cette pièce, mais faire des multiples ne m’intéressait pas. Je me suis alors tournée vers la terre, la céramique. J’utilise de la barbotine que je coule directement dans l’écorce, puis je la brûle. Le processus s’est mis en place progressivement, comme pour la peinture.

Je travaille avec de la porcelaine, mais aussi avec du silicone. J’aime faire des expérimentations. J’essaye de faire grossir mes pièces. Je suis venue au silicone par étapes, j’ai d’abord voulu faire une grande sculpture en combinant plusieurs peaux d'orange, mais je considère cette pièce comme ratée. Je connais les possibilités de l’imprimante 3D mais cela ne m’intéresse pas. C’est un ami qui m’a parlé du silicone comme d’un matériau capable de gonfler et d’augmenter en volume. Ce matériau donne un résultat assez similaire à celui de la porcelaine, je me suis d’ailleurs déjà laissée surprendre : un jour en voulant saisir une porcelaine, alors que je m’attendais à quelque chose de dur et froid, j’ai attrapé une pièce qui était molle. 

 

EE : Pour en revenir à la peinture, quelles techniques utilisez-vous ? Quelle est la place du corps, du geste dans votre travail ? Quelle est la place de la réflexion, celle de la spontanéité ?

 

PB : Je travaille beaucoup sur papier, ou sur toile libre que je tends ensuite sur châssis. D’abord au sol puis je pose mon support à l’envers sur une planche : les bacs permettent de récupérer l’eau qui provient du « nettoyage » effectué avec le jet haute-pression. Le résultat dépend de beaucoup de paramètres, pas seulement du temps qui s’écoule entre les différentes étapes, mais aussi des peintures utilisées, des médiums que je mets dedans, des différentes couleurs qui ne réagissent pas du tout de la même façon, de la chaleur de l’atelier, de son taux d’hygrométrie…  

Il y a donc une grande part de hasard. On peut se demander quelle part de hasard reste maîtrisée ou non, parce qu’à force de répéter le processus on sait très bien ce qu’il va se passer. C’est pour ça que je dis que je travaille avec mon inconscient, parce que quelques fois je le laisse un peu décider à ma place. Je peux attendre entre les étapes, ou pas du tout et je ne sais pas pourquoi. En ce qui concerne le choix des couleurs, je regarde dans ma palette les couleurs de la veille, celles qui sont restées et j’en rajoute. Il y a comme une sorte d’aimantation, d’attraction, celles qui sont déjà là en appellent d’autres. Ainsi le tableau précédent est l’esquisse du suivant, parce que certaines couleurs restent et il y a une évolution d’une peinture à l’autre.

Je ne travaille qu’à l’acrylique. Récemment j’ai repris l’huile car je voulais travailler sur une plaque en aluminium et je n’arrivais pas à trouver une peinture qui reste bien fixe sur ce support. Il s’agit d’un tableau qui est accroché avec un clou planté au centre du motif. J’ai appelé cette série Persée, pour souligner le fait qu’ils sont effectivement percés, mais aussi en référence au mythe de Persée. De plus, cette idée du clou me renvoie à mes Saint Georges terrassant le dragon, que je peignais au tout début, car Saint Georges, de sa lance, transperce le Dragon. Pour moi il y a aussi l’idée de considérer la peinture comme une lutte, il faut tuer son dragon, c’est-à-dire se dépasser, aller au-delà de ses limites. Ici on ne voit plus Saint Georges mais simplement sa lance.